Pourquoi les sculptures de Javier Marín suscitent-elles l'enthousiasme du spectateur qui devant elles ne peut s'empêcher d'esquisser un très léger sourire de satisfaction? Quel est le pouvoir d'attraction qu'ils éveillent? D'où vient cette force de concentration qui attire l'attention du spectateur? Pourquoi ces figures d'argile ont-elles fait sensation dans une région où la sculpture fait l'objet d'un traitement discriminatoire par rapport à d'autres formes d'expression plastique? Quelle est l'explication de cet événement étonnant?
Répondre à ces questions - et à bien d'autres - que nous nous posons en «voyant» les sculptures de Javier Marín ne peut et ne doit pas être une opération automatique. Face à des phénomènes de même nature, à vrai dire peu fréquents, il faut marcher avec les pieds de plomb pour éviter de tomber dans des bévues inattendues qui ne font que confondre et détourner l'attention de l'essentiel, de ce qui est substantiel et juste qui semble être évident dans le travail d'un auteur jeune, encore en phase de formation, dont la virtuosité ne fait aucun doute. L'œuvre de Javier Marín enchante, et la fascination qui excite les esprits à la fois de l'observateur furtif et du critique sévère et froid donne l'impression de coïncider, ce qui fait penser à l'émergence d'un artiste prometteur, au potentiel énorme, sur lequel il faut méditer. avec la plus grande sérénité possible.
Ici, le succès nous importe peu, car le succès - comme dirait Rilke - n'est qu'un malentendu. Ce qui est vrai vient de l'œuvre, de ce qui y est implicite. En tout cas, tenter un jugement esthétique implique de reconnaître l'intention de l'auteur et de pénétrer, à travers son œuvre, au sens de l'acte créateur, dans la révélation des valeurs plastiques qu'il rayonne, dans les fondements qui la soutiennent, dans la puissance évocateur qui transmet et dans la maturation du génie qui le rend possible.
Dans l'œuvre de Marín, la nécessité de capturer le corps humain en mouvement est évidente. Dans toutes ses sculptures, le désir insatisfait de figer certains moments, certaines situations et gestes, certaines attitudes et certains clins d'œil qui, lorsqu'ils sont imprimés sur les figures, indiquent la découverte d'un langage sans dissimulation, rechargé parfois, doux et soumis à d'autres, est évident. , mais un langage qui ne nie pas la facture définie de la personne qui la formule. Le corps en mouvement - compris comme une caractéristique générique de son travail - est privilégié au-dessus de toute autre valeur plastique. Cette exclusivité doit être attribuée au fait qu'une idée de l'homme est l'objet de son art, configurant quelque chose comme une physique de l'expression à partir de laquelle il structure l'ensemble de l'œuvre qu'il a produit jusqu'à présent.
Ses sculptures sont des images matérialisées, des images qui manquent de support dans la réalité naturelle: elles ne copient ni n'imitent - ni ne prétendent le faire - un original. La preuve en est que Javier Marín travaille avec un modèle. Son intention expresse est d'une autre nature: il reproduit encore et encore, avec peu de variations, sa conception, sa manière d'imaginer l'homme. On pourrait presque dire que Javier a rencontré un éclair en marchant sur les chemins de l'art qui éclairaient l'angle d'une représentation fantastique et, s'abandonnant à son intuition, spontanément, a entamé la marche ascendante vers la structuration d'une personnalité désormais incomparable.
Dans son œuvre sculpturale, il y a une définition subtile des espaces où se déploient les personnages imaginaires. Les sculptures ne sont pas modelées pour occuper une place, elles sont plutôt formatrices, créatrices des espaces qu'elles occupent: elles passent d'un intérieur énigmatique et intimiste à un extérieur fondateur de la scénographie qu'elle contient. En tant que danseurs, la contorsion et l'expression corporelle font à peine allusion au lieu où se déroule l'acte, et la seule suggestion est déjà celle qui soutient comme un sort la structure spatiale où se déroule la représentation, qu'il s'agisse de cirque ou de cirque. d'un sens épique dramatique ou d'une farce d'humour comique. Mais l'opération créatrice de l'espace dans l'œuvre de Marín est de nature chimérique, spontanée et simple, elle vise plutôt à aller à la rencontre de l'illusoire, sans l'intervention d'une volonté intellectuelle encline à rationaliser l'abstraction. Son secret est de s'offrir sans plus ni plus, comme cadeau, comme position sur l'horizon visuel avec une intention ornementale et décorative délibérée. C'est pourquoi sans avoir pour but d'exciter la pensée sophistique, ces sculptures parviennent à captiver l'homme artificiel, subjugué par la perfection géométrique et la cohérence univoque et précise de l'algorithme et des espaces fonctionnels et utilitaires.
Certains critiques suggèrent que le travail de Marín s'inspire de l'antiquité classique et de la Renaissance pour élever sa vision esthétique particulière; cependant, cela me semble inexact. Un Grec comme Phidias ou une Renaissance comme Michel-Ange aurait remarqué des lacunes fondamentales dans les torses de Marín, parce que celles-ci ne peuvent tout simplement pas être encadrées dans le schéma naturaliste subsumé dans l'esthétique classique. La perfection classique tente également d'élever la nature au domaine olympique, et la sculpture de la Renaissance cherche à fixer la transcendance de l'humain dans le marbre ou le bronze, et en ce sens les œuvres ont un fort caractère pieux. Les sculptures de Marín, au contraire, dépouillent le corps humain de tout masque religieux, enlèvent tout halo de divinité, et leurs corps sont aussi terrestres que l'argile dont ils sont composés: ce sont des morceaux de fragilité temporaire, de simples instants d'un aube furtive et dissolution immédiate.
L'érotisme inquiétant que leurs personnages dégagent est conforme à une tradition qui manque paradoxalement de toute tradition, qui ignore tout passé et se méfie de tout avenir. Ces œuvres sont le produit d'une société nihiliste, appauvrie, consumériste, sclérosée par la nouveauté qui ne finit jamais par vous satisfaire. Ce monde de mécréants dont nous faisons tous partie, fait soudain face à un portrait imaginaire et illusoire sans autre support qu'un socle en ciment coulé, sans autre fonction que de se souvenir de la déliquescence de nos passions, enfin aussi éthérée et insignifiante que le soupir d'être toujours au bord du craquement et de la désintégration fatale. C'est pourquoi l'argile travaille dans ces pièces qui ressemblent parfois à des bronzes ou à des matériaux plus pérennes, mais ce ne sont rien de plus que des structures de terre brûlée, des figures faibles sur le point de s'effondrer et qu'en cela elles portent leur puissance et leur vérité, car elles évoquent l'insécurité. de notre actualité, car ils nous montrent notre insignifiance, notre réalité en tant que corps cosmiques d'une petitesse sans précédent.
Marín est un sculpteur déterminé à pulvériser la grandeur du corps athlétique forgeant le mythe, et plutôt, en déshabille la limitation, met en suspens et met sous nos yeux le destin tragique hamletien de l'homme contemporain menacé par ses propres pulsions destructrices. C'est l'argile, le plus pauvre des médiums, le plus ancien et le plus fragile, le matériau qui exprime le plus fidèlement la fugacité de l'existence, le médium le plus proche que nous ayons utilisé pour laisser le témoignage de notre passage à travers la terre, et que Marín a utilisé pour prendre sa place dans le monde de l'art.
